sábado, 23 de julio de 2011
Barney Kessel
Barney Kessel (17 de octubre de 1923 – 6 de mayo de 2004) fue un guitarrista de jazz estadounidense nacido en Muskogee (Oklahoma), Estados Unidos.
Fue miembro de muchos grupos importantes de jazz así como una "primera opción" en sesiones de estudios de grabación, películas y grabaciones para la televisión. Kessel fue miembro del grupo de músicos de session conocido como The Wrecking Crew.
Artie Shaw
Arthur Jacob Arshawsky, más conocido como Artie Shaw (*Nueva York el 23 de mayo de 1910 - † Thousand Oaks, California, 30 de diciembre de 2004) fue un clarinetista y director de orquesta de jazz estadounidense de fama internacional.
Nacido en Nueva York, Arthur Arshawsky se educa en New Haven (Connecticut). Allí aprende a tocar el clarinete y el saxofón. Inicia su carrera en orquestas de baile. En 1926 adopta el seudónimo de Artie Shaw.
En 1929 se traslada a Nueva York, donde inicia una intensa actividad como músico de estudio. Colabora un tiempo en la orquesta de Paul Whiteman. De 1934 a 1935, abandona la música y se retira al campo para dedicarse a la literatura.
En 1936 crea su propia orquesta, con poco éxito al principio. Sin embargo, las cosas cambian a partir de abril de 1937. Con una renovada composición de su orquesta inicia su camino hacia el éxito. En 1938 graba su primer “hit” : “Begin the beguine” de Cole Porter. De marzo a noviembre de 1938, Billie Holiday es la cantante de la orquesta, lo que provoca algunos problemas en esas épocas de segregación racial (véase la autobiografía de la cantante : “Lady sings the blues”). La orquesta alcanza entonces su apogeo y se convierte en el principal rival del “rey del swing” Benny Goodman. Sin embargo, por segunda vez Artie Shaw se retira del mundo de la música, instalándose esta vez en México.
En 1940, fecha en la que contrae matrimonio con la actriz Lana Turner, recompone una orquesta que de nuevo encadena los éxitos (“Frenesí”, 1940). Paralelamente, dirige una pequeña y atípica formación, los “Grammercy Five” (a veces con Johnny Guarnieri en el clavecín). En 1942, durante la Segunda Guerra Mundial, se alista en la Marina. Dirige una orquesta destinada a levantar la “moral de las tropas” en el Pacífico.
De regreso a la vida civil en 1944, organiza una orquesta. esta vez de “jazz puro”, donde se puede escuchar a Roy Eldridge, Herbie Stewart, Dodo Marmarosa y Barney Kessel. Durante los años 50-60, dirige varias orquestas de envergadura y calidad variables, entre ellas una versión “modernizada” de los “Grammercy Five” (1953-1954).
Hombre de espectáculo, poseedor de una considerable fortuna personal, coprotagonista de varios matrimonios y divorcios clamorosos (como el de Ava Gardner), un día decidió clausurar su brillante carrera musical. Fue en 1954 con 44 años. Dos años antes había publicado su autobiografía, en la que se lamentaba de las pompas y los fastos de la vida mundana. Era un hombre célebre pero rechazaba la intromisión en su intimidad, y abominaba de la curiosidad insistente de la prensa, muy interesada en su vida sentimental turbulenta. Siendo un ídolo, abjuró de sus admiradores sin que esto le produjese ningún rechazo social ni el olvido. El escritor Boris Vian dijo de él:"me admira que un hombre como él que gana 30.000 dólares a la semana, lo abandone todo porque tiene la impresión de que le están robando el espíritu". Políticamente progresista, fue uno de los escasos jazzistas que tuvo problemas con el senador McCarthy y su comisión de triste memoria. Tras dos horas de interrogatorio en los que la prensa se cebó con él por sus amoríos morbosos, en 1955, decidió que América había terminado para él. Se marchó a Begur, en Girona, en la costa Brava española durante cinco años, hasta que la fiebre McCarthysta se apaciguó.
A fines de los 60, abandona de nuevo la música para convertirse en productor cinematográfico y teatral. Se retira a Lakeville (Connecticut). Esporádicamente reaparece como músico (por ejemplo al frente de una gran formación en 1985, o en Londres en 1992 para dirigir su “Concierto para clarinete”. En 2004, recibe un lifetime achievement Grammy Award. Fallece el 30 de diciembre del mismo año.
Artie Shaw tuvo también una pequeña carrera como escritor; además de su autobiografía (“The trouble with Cinderella : an outline of identity”, 1952) escribió una recopilación de novelas (“I love you, I hate you, drop dead !”, 1965).
Shaw, brillante clarinetista, es igualmente autor de un método de clarinete (“Clarinet method : a school of modern clarinet technic”).
También destaca como hombre de profundas convicciones siempre contrario a la segregación racial.
En 1929 se traslada a Nueva York, donde inicia una intensa actividad como músico de estudio. Colabora un tiempo en la orquesta de Paul Whiteman. De 1934 a 1935, abandona la música y se retira al campo para dedicarse a la literatura.
En 1936 crea su propia orquesta, con poco éxito al principio. Sin embargo, las cosas cambian a partir de abril de 1937. Con una renovada composición de su orquesta inicia su camino hacia el éxito. En 1938 graba su primer “hit” : “Begin the beguine” de Cole Porter. De marzo a noviembre de 1938, Billie Holiday es la cantante de la orquesta, lo que provoca algunos problemas en esas épocas de segregación racial (véase la autobiografía de la cantante : “Lady sings the blues”). La orquesta alcanza entonces su apogeo y se convierte en el principal rival del “rey del swing” Benny Goodman. Sin embargo, por segunda vez Artie Shaw se retira del mundo de la música, instalándose esta vez en México.
En 1940, fecha en la que contrae matrimonio con la actriz Lana Turner, recompone una orquesta que de nuevo encadena los éxitos (“Frenesí”, 1940). Paralelamente, dirige una pequeña y atípica formación, los “Grammercy Five” (a veces con Johnny Guarnieri en el clavecín). En 1942, durante la Segunda Guerra Mundial, se alista en la Marina. Dirige una orquesta destinada a levantar la “moral de las tropas” en el Pacífico.
De regreso a la vida civil en 1944, organiza una orquesta. esta vez de “jazz puro”, donde se puede escuchar a Roy Eldridge, Herbie Stewart, Dodo Marmarosa y Barney Kessel. Durante los años 50-60, dirige varias orquestas de envergadura y calidad variables, entre ellas una versión “modernizada” de los “Grammercy Five” (1953-1954).
Hombre de espectáculo, poseedor de una considerable fortuna personal, coprotagonista de varios matrimonios y divorcios clamorosos (como el de Ava Gardner), un día decidió clausurar su brillante carrera musical. Fue en 1954 con 44 años. Dos años antes había publicado su autobiografía, en la que se lamentaba de las pompas y los fastos de la vida mundana. Era un hombre célebre pero rechazaba la intromisión en su intimidad, y abominaba de la curiosidad insistente de la prensa, muy interesada en su vida sentimental turbulenta. Siendo un ídolo, abjuró de sus admiradores sin que esto le produjese ningún rechazo social ni el olvido. El escritor Boris Vian dijo de él:"me admira que un hombre como él que gana 30.000 dólares a la semana, lo abandone todo porque tiene la impresión de que le están robando el espíritu". Políticamente progresista, fue uno de los escasos jazzistas que tuvo problemas con el senador McCarthy y su comisión de triste memoria. Tras dos horas de interrogatorio en los que la prensa se cebó con él por sus amoríos morbosos, en 1955, decidió que América había terminado para él. Se marchó a Begur, en Girona, en la costa Brava española durante cinco años, hasta que la fiebre McCarthysta se apaciguó.
A fines de los 60, abandona de nuevo la música para convertirse en productor cinematográfico y teatral. Se retira a Lakeville (Connecticut). Esporádicamente reaparece como músico (por ejemplo al frente de una gran formación en 1985, o en Londres en 1992 para dirigir su “Concierto para clarinete”. En 2004, recibe un lifetime achievement Grammy Award. Fallece el 30 de diciembre del mismo año.
Artie Shaw tuvo también una pequeña carrera como escritor; además de su autobiografía (“The trouble with Cinderella : an outline of identity”, 1952) escribió una recopilación de novelas (“I love you, I hate you, drop dead !”, 1965).
Shaw, brillante clarinetista, es igualmente autor de un método de clarinete (“Clarinet method : a school of modern clarinet technic”).
También destaca como hombre de profundas convicciones siempre contrario a la segregación racial.
Buddy Rich
Buddy Rich (Nueva York, 30 de septiembre de 1917 - Los Ángeles, 2 de abril de 1987) fue un baterista estadounidense de jazz, representante del swing, bop y, en general, del jazz de las big bands. Se trata de uno de los músicos más prestigiosos en el ámbito de la batería jazzística, reconocido por su técnica, rapidez y habilidad en los solos.
Buddy Rich empezó a tocar la batería en mundo del vaudevil como "Traps, the Drum Wonder" cuando solo tenía 18 meses de edad; fue completamente autodidacta y su formación inicial la realizó a través de sus actuaciones en el vaudevil, alternando su faceta de músico con la de bailarín y cantante.
Hacia 1938 descubrió el jazz y tocó en el grupo de Joe Marsala, de donde salió para entrar en la orquesta de Bunny Berigan. Durante 1939 tocó con Artie Shaw (en una época en la que su orquesta era la más popular), y luego de 1939 a 1945 (con un paréntesis para cumplir con el servicio militar) con Tommy Dorsey, en una etapa histórica. Durante estos años se hizo obvio que Buddy Rich era el rey de la batería, habiendo destronado a otro gran talento como Gene Krupa. Al igual que este último, la prestigiosa fábrica de baterías Slingerland editó una serie de su famosa caja "Radio King", con la firma de Rich.
Rich formó una orquesta de bop durante 1945-1947 (que no tuvo gran éxito), estuvo de gira con Jazz at the Philharmonic, grabó con incontables estrellas de los años cincuenta para Verve (incluyendo a Charlie Parker, Lester Young, Art Tatum y Lionel Hampton), y trabajó con Les Brown, Charlie Ventura, Tommy Dorsey (1954-1955) y Harry James (entre 1953-1966, de forma interrumpida). Un ataque al corazón en 1959 le obligó a descansar; regresó como vocalista, aun sin olvidarse de la batería.
En 1966, Buddy Rich formó una big band que sería su ocupación principal en sus últimos veinte años de vida. Su corazón le empezó a ocasionar problemas de nuevo en 1983, pero fue imposible que renunciase a la música hasta su muerte producida por un ataque al corazón en 1987. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California.
Hacia 1938 descubrió el jazz y tocó en el grupo de Joe Marsala, de donde salió para entrar en la orquesta de Bunny Berigan. Durante 1939 tocó con Artie Shaw (en una época en la que su orquesta era la más popular), y luego de 1939 a 1945 (con un paréntesis para cumplir con el servicio militar) con Tommy Dorsey, en una etapa histórica. Durante estos años se hizo obvio que Buddy Rich era el rey de la batería, habiendo destronado a otro gran talento como Gene Krupa. Al igual que este último, la prestigiosa fábrica de baterías Slingerland editó una serie de su famosa caja "Radio King", con la firma de Rich.
Rich formó una orquesta de bop durante 1945-1947 (que no tuvo gran éxito), estuvo de gira con Jazz at the Philharmonic, grabó con incontables estrellas de los años cincuenta para Verve (incluyendo a Charlie Parker, Lester Young, Art Tatum y Lionel Hampton), y trabajó con Les Brown, Charlie Ventura, Tommy Dorsey (1954-1955) y Harry James (entre 1953-1966, de forma interrumpida). Un ataque al corazón en 1959 le obligó a descansar; regresó como vocalista, aun sin olvidarse de la batería.
En 1966, Buddy Rich formó una big band que sería su ocupación principal en sus últimos veinte años de vida. Su corazón le empezó a ocasionar problemas de nuevo en 1983, pero fue imposible que renunciase a la música hasta su muerte producida por un ataque al corazón en 1987. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California.
Gladys Bentley
Bentley was born in Philadelphia, Pennsylvania, the daughter of American George L. Bentley and his wife, a Trinidadian, Mary Mote. She appeared at Harry Hansberry's "Clam House" on 133rd Street, one of New York City's most notorious gay speakeasies,[1] in the 1920s, and headlined in the early thirties at Harlem's Ubangi Club, where she was backed up by a chorus line of drag queens.
On the decline of the Harlem speakeasies with the repeal of Prohibition, she relocated to southern California, where she was billed as "America's Greatest Sepia Piano Player", and the "Brown Bomber of Sophisticated Songs". She was frequently harassed for wearing men's clothing. She claimed that she had married a white woman in Atlantic City.
Bentley was openly lesbian during her early career, but during the McCarthy Era, she started wearing dresses, married a man (who later denied that they ever married), and studied to be a minister, claiming to have been "cured" by taking female hormones.[3][4] She died, aged 52, from pneumonia in 1960.
Fictional characters based on Bentley appeared in Carl Van Vechten's Parties, Clement Woods's Deep River, and Blair Niles's Strange Brother. She recorded for the OKeh, Victor, Excelsior, and Flame labels.
Gladys Bentley (12 de agosto de 1907-18 de enero de 1960) fue una cantante de blues estadounidense que perteneció al movimiento cultural afroamericano conocido como Harlem Renaissance.
Bentley nació en Filadelfia, Pensilvania, hija de América George L. Bentley y su esposa, natural de Trinidad, Mary Mote.
Con el fin de la Ley Seca que provocó el cierre de muchos locales speakeasy, se trasladó al sur de California. Fue a menudo objeto de hostigamiento por llevar ropa de los hombres. Ella declaraba haberse casado con una mujer blanca en Atlantic City.
Bentley que se declaró lesbiana desde los inicios de su carrera, pero durante la Era McCarthy, empezó a usar vestidos, y estudió para ser predicador, declarando haber sido "curada" con hormonas femeninas.
Murió, de 52 años de edad, de neumonía en 1960.
Trixie Smith
Trixie Smith (1895 , 1943) cantante de Blues.
Nacida en Atlanta, Georgia, en 1922 realizó sus primeras grabaciones para Black Swan y tiempo después para Paramount. Durante los años 1930 cambia de compañía de discos, realizando nuevas grabaciones para la Decca Records. En sus grabaciones discográficas siempre estuvo acompañada de las mejores bandas de Jazz de la época como Fletcher Henderson and his Orchestra y la The Original Memphis Five (agrupación conformada por personas de raza blanca). En los años 1930 aparece en unas cuantas películas. Muere en la ciudad de Nueva York.
Alberta Hunter
Alberta Hunter fue una cantante de blues y jazz nacida en Memphis el 1 de abril de 1895, murió en 1984 en New York.
Considerada una de las mejores representantes del estilo junto a Ma Rainey, Bessie Smith y Ethel Waters con quien trabajó en el Teatro Empire en 1940.
En 1917 hizo exitosas giras por Londres y Paris. Se estableció en Chicago pero en 1928 trabajo junto a Paul Robeson en el primer Show Boat en Londres y en París reemplazo brevemente a Josephine Baker.
En 1938 regresó a los Estados Unidos con el advenimiento del fascismo en Europa y se ofreció como voluntaria en la Segunda Guerra Mundial entreteniendo a las tropas en Casablanca y años mas tarde en Corea.
En 1954 trabajó en Broadway junto a Eartha Kitt pero a la muerte de su madre, se retiró abruptamente del canto y se dedicó a la enfermería.
Retornó después de diez años a instancias de Chris Albertson.
Cuando en 1977 fue jubilada como enfermera volvió plenamente a la profesión artística a los 82 años.
Aunque casada mantuvo relación homosexual con Lottie Tyler, sobrina del entonces famoso actor de vaudeville Bert Williams (1875-1922).
Hizo giras por Europa y Sudamerica y cantó hasta días antes de su muerte en el Cookery Club de Greenwich Village.
Su vida ha sido reflejada en el documental Alberta Hunter: My Castle's Rockin'de Stuart Goldman, 1988.
En 1917 hizo exitosas giras por Londres y Paris. Se estableció en Chicago pero en 1928 trabajo junto a Paul Robeson en el primer Show Boat en Londres y en París reemplazo brevemente a Josephine Baker.
En 1938 regresó a los Estados Unidos con el advenimiento del fascismo en Europa y se ofreció como voluntaria en la Segunda Guerra Mundial entreteniendo a las tropas en Casablanca y años mas tarde en Corea.
En 1954 trabajó en Broadway junto a Eartha Kitt pero a la muerte de su madre, se retiró abruptamente del canto y se dedicó a la enfermería.
Retornó después de diez años a instancias de Chris Albertson.
Cuando en 1977 fue jubilada como enfermera volvió plenamente a la profesión artística a los 82 años.
Aunque casada mantuvo relación homosexual con Lottie Tyler, sobrina del entonces famoso actor de vaudeville Bert Williams (1875-1922).
Hizo giras por Europa y Sudamerica y cantó hasta días antes de su muerte en el Cookery Club de Greenwich Village.
Su vida ha sido reflejada en el documental Alberta Hunter: My Castle's Rockin'de Stuart Goldman, 1988.
Sippie Wallace
Beulah Thomas, más conocida como Sippie Wallace (Houston, Texas, 1 de noviembre de 1899 - Detroit, Míchigan, 1 de noviembre de 1986) fue una cantante, pianista y compositora de blues, representativa de las cantantes de blues clásico, junto con Ma Rainey, Mammie Smith o Ida Cox.
Procedia del vodevil y grabó desde los años 1920 un buen número de Lps, en sellos como Storyville, Okeh o Atlantic. Trabajó con Louis Armstrong, Johnny Dodds, Sidney Bechet y King Oliver, entre otros.
Permaneció en activo hasta su fallecimiento, actuando en todo el mundo y colaborando, durante las últimas décadas de su vida, con la guitarrista y también cantante de rock, Bonnie Raitt, grabando para el sello Alligator.
Permaneció en activo hasta su fallecimiento, actuando en todo el mundo y colaborando, durante las últimas décadas de su vida, con la guitarrista y también cantante de rock, Bonnie Raitt, grabando para el sello Alligator.
Victoria Spivey
Victoria Spivey (Houston, Texas, 15 de octubre de 1906 - Nueva York, 3 de octubre de 1976) fue una pianista y cantante de blues.
Recorrió Texas muy joven, con compañías ambulantes de comedias, hasta que se trasladó a Saint Louis, donde firmó contrato con la discográfica Okeh, obteniendo gran éxito con su primer single, "Black snake blues". Continuó grabando habitualmente hasta 1937. Su estilo estaba muy enraizado en el blues texano (Blind Lemon Jefferson), aunque a partir de 1929 lo modernizó, haciéndolo más agresivo y alejándose del music hall de sus comienzos. Tocó con Lonnie Johnson, Louis Armostrong y Tampa Red, entre otros, antes de trasladarse a Nueva York, a final de los años 1950. Actuaciones en Greewich Village y grabaciones para Bluesville, la hicieron mantenerse en escena. Creó además su propia discográfica, "Spivey Records", en la que debutaron músicos como Luther Johnson, Sugar Blue o el mismo Bob Dylan.
Ida Cox
Ida Cox (Octubre de 1890 - 10 de noviembre de 1967) fue una cantante estadounidense afro conocida principalmente por sus grabaciones e interpretaciones de blues.
Tras el abrumador éxito, en 1920, de la grabación del tema "Crazy Blues" de Mamie Smith, las compañías discográficas se dieron cuenta que había una demanda importante para grabaciones de música racial; la era de las intérpretes clásicas femeninas de blues había comenzado y se extendería por toda la década de 1920. Desde 1923 hasta 1929, Cox realizó numerosas grabaciones para la discográfica Paramount Records, además de realizar varias giras (en las cuales solía adquirir el nombre de "Sepia Mae West") hasta la década de 1930. En 1939 apareció en el Café Society Downtown, en Nueva York, participando en el histórico concierto del Carnegie Hall.
Ese mismo año, retomó las grabaciones con una serie de sesiones en el discográfica Vocalion Records y, en 1940, realizó grabaciones con la discográfica Okeh Records en las cuales intervinieron el guitarrista Charlie Christian, los trompetistas Hot Lips Page y Henry "Red" Allen, el trombonista J.C. Higginbotham y Lionel Hampton. Hacia 1960, época en la que llevaba ya varios años retirada, el productor musical Chris Albertson logró persuadirla para que que grabara su último disco para la discográfica Riverside Records: en dicha grabación la acompañaban Roy Eldridge, Coleman Hawkins, el pianista Sammy Price, el bajista Milt Hinton y el batería Jo Jones. Cox se refirió a este disco como "su última declaración". Tras esta grabación volvió con su hija a Knoxville, Tennessee, donde falleció en 1967.
Cox nació en octubre de 1890, aunque históricamente se fecha su nacimiento en febrero de 1896 como Ida Prather en Toccoa, Georgia (en aquella época Toccoa se encontraba en el condado de Habersham y no en el condado de Stephens). Hija de Lamax y Susie Prather, pasó su infancia en Cedartown (Georgia), cantando en el coro local de la iglesia metodista africana; dejó su casa para iniciar una gira con varios 'minstrel show'. Contrajo matrimonio con el intérprete de minstrel Adler Cox.
Tras el abrumador éxito, en 1920, de la grabación del tema "Crazy Blues" de Mamie Smith, las compañías discográficas se dieron cuenta que había una demanda importante para grabaciones de música racial; la era de las intérpretes clásicas femeninas de blues había comenzado y se extendería por toda la década de 1920. Desde 1923 hasta 1929, Cox realizó numerosas grabaciones para la discográfica Paramount Records, además de realizar varias giras (en las cuales solía adquirir el nombre de "Sepia Mae West") hasta la década de 1930. En 1939 apareció en el Café Society Downtown, en Nueva York, participando en el histórico concierto del Carnegie Hall.
Ese mismo año, retomó las grabaciones con una serie de sesiones en el discográfica Vocalion Records y, en 1940, realizó grabaciones con la discográfica Okeh Records en las cuales intervinieron el guitarrista Charlie Christian, los trompetistas Hot Lips Page y Henry "Red" Allen, el trombonista J.C. Higginbotham y Lionel Hampton. Hacia 1960, época en la que llevaba ya varios años retirada, el productor musical Chris Albertson logró persuadirla para que que grabara su último disco para la discográfica Riverside Records: en dicha grabación la acompañaban Roy Eldridge, Coleman Hawkins, el pianista Sammy Price, el bajista Milt Hinton y el batería Jo Jones. Cox se refirió a este disco como "su última declaración". Tras esta grabación volvió con su hija a Knoxville, Tennessee, donde falleció en 1967.
Ethel Walters
Ethel Waters (Chester, Pensilvania, 31 de octubre de 1896 - California, 1 de septiembre de 1977) fue una actriz y cantante estadounidense de blues, jazz, musicales y gospel.
Nacida de una mujer violada de solo 13 años, creció en un empobrecido y violento distrito de Filadelfia. A pesar de ser adoptada por su abuela, nunca llegó a vivir más de quince meses seguidos en el mismo lugar. Sus recuerdos personales inciden en la falta de ambiente familiar y la ausencia de niñez en un sentido tradicional.
Waters se casó a los 13 años, pero dejó pronto a su marido, que abusaba de ella, y se convirtió en sirvienta en un hotel de Filadelfia, trabajando por 4.75 dólares a la semana. En su 17 cumpleaños, durante la noche de Halloween de 1917, trabajó en una fiesta en un club nocturno de Juniper Street. Fue invitada a cantar dos canciones, conmoviendo de tal manera al auditorio que se le ofreció trabajo como profesional en el Lincoln Theatre de Baltimore. Ganaría 10 dólares a la semana.
Tras comenzar en Baltimore, realizó una gira por el sur actuando en diversos honkytonks. A pesar de su éxito inicial, Waters entró en un mal periodo y tuvo que unirse al carnaval (un espectáculo popular itinerante), con el que viajó a Chicago; este periodo y las gentes que conoció fueron siempre muy valorados por la cantante.
Tras esta etapa, trabajó en Atlanta en el mismo club con Bessie Smith, quien pidió que no cantase blues para no competir con ella, por lo que Waters tuvo que cantar baladas y canciones populares, además de bailar, terreno en el que desarrollaría la mayor parte de su carrera profesional (en musicales, programas de televisión, etc.), regresando al blues muy ocasionalmente.
En 1933 trabajó en el Cotton Club de Harlem y luego en Broadway en la revista musical As thousands cheers, la primera negra en un show blanco de Broadway. Llegó a ser la cantante mejor pagada de la calle neoyorkina.
En 1944 hizo en cine Stage Door Canteen con Count Basie y en la película Cabin in the Sky de Vincente Minnelli se midió con la joven Lena Horne y en 1949 fue nominada como actriz de reparto para un Premio Óscar por su actuación en Pinky de Elia Kazan.
En 1950 ganó un Premio Tony en The member of the Wedding con Julie Harris que luego llevaron al cine.
En la década del 50 participó en televisión en la serie Beulah, retirándose cuando la consideró denigratoria para su raza.
En 1957 se unió al movimiento cristiano del reverendo Billy Graham, dedicándose a la causa hasta su muerte.
En 1973 recibió un Grammy honorario por "Dinah", "Am I Blue" y "Stormy Weather", su histórica versión de 1933 incluida en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y desde el 2004 integra el Registro Nacional de Grabaciones.
En 1983 fue incorporada al Hall de la Fama Gospel y en 1994 se publicó un sello postal en su memoria.
Nacida de una mujer violada de solo 13 años, creció en un empobrecido y violento distrito de Filadelfia. A pesar de ser adoptada por su abuela, nunca llegó a vivir más de quince meses seguidos en el mismo lugar. Sus recuerdos personales inciden en la falta de ambiente familiar y la ausencia de niñez en un sentido tradicional.
Tras comenzar en Baltimore, realizó una gira por el sur actuando en diversos honkytonks. A pesar de su éxito inicial, Waters entró en un mal periodo y tuvo que unirse al carnaval (un espectáculo popular itinerante), con el que viajó a Chicago; este periodo y las gentes que conoció fueron siempre muy valorados por la cantante.
Tras esta etapa, trabajó en Atlanta en el mismo club con Bessie Smith, quien pidió que no cantase blues para no competir con ella, por lo que Waters tuvo que cantar baladas y canciones populares, además de bailar, terreno en el que desarrollaría la mayor parte de su carrera profesional (en musicales, programas de televisión, etc.), regresando al blues muy ocasionalmente.
En 1933 trabajó en el Cotton Club de Harlem y luego en Broadway en la revista musical As thousands cheers, la primera negra en un show blanco de Broadway. Llegó a ser la cantante mejor pagada de la calle neoyorkina.
En 1944 hizo en cine Stage Door Canteen con Count Basie y en la película Cabin in the Sky de Vincente Minnelli se midió con la joven Lena Horne y en 1949 fue nominada como actriz de reparto para un Premio Óscar por su actuación en Pinky de Elia Kazan.
En 1950 ganó un Premio Tony en The member of the Wedding con Julie Harris que luego llevaron al cine.
En la década del 50 participó en televisión en la serie Beulah, retirándose cuando la consideró denigratoria para su raza.
En 1957 se unió al movimiento cristiano del reverendo Billy Graham, dedicándose a la causa hasta su muerte.
En 1973 recibió un Grammy honorario por "Dinah", "Am I Blue" y "Stormy Weather", su histórica versión de 1933 incluida en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y desde el 2004 integra el Registro Nacional de Grabaciones.
En 1983 fue incorporada al Hall de la Fama Gospel y en 1994 se publicó un sello postal en su memoria.
Mamie Smith
Mamie Smith (Cincinnati, 26 de mayo de 1883 - Nueva York, 16 de septiembre de 1946), conocida como la «primera dama del blues», fue una cantante, bailarina, pianista y actriz norteamericana. Como cantante, se movió entre el jazz y el blues y entró en la historia como la primera mujer afroamericana que grabó un disco, en 1920.
Viajó en un espectáculo afroamericano hasta fijar su residencia en Nueva York en 1913. Allí trabajó como cantante de cabaret. Allí conoció al compositor Perry Bradford actuando en el muscial "Made in Harlem" en 1918.
En 1920, OKeh Records planeó grabar un disco con la popular cantante Sophie Tucker con un par de canciones de Bradford. Tucker enfermó y no pudo realizar la sesión así que Bradford convenció a la discográfica a que Mamie Smith ocupara el puesto de Tucker. Smith grabó dos canciones ("That Thing Called Love" y "You Can't Keep A Good Man Down") el 14 de febrero de 1920 con la banda blanca del estudio. La buena actuación de Smith hizo que fuera invitada a realizar más canciones. El 10 de agosto de 1920, Smith grabó otra canción de Bradford "Crazy Blues" (que en 2005 fue elegida como pieza artística de preservación de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos), "It's Right Here For You, If You Don't Get It" y 'Tain't No Fault of Mine". Ésta fueron las primeras grabaciones de blues de una cantante afroamericana y el disco fue uno de los más vendidos del año. Después del éxito de Mamie Smith, las compañías discográficas se lanzaron a la grabación de cantantes negros. Y es que, aunque otros afroamericanos habían grabado anteriormente (como el caso de George W.Johnson a finales del siglo XIX), eran cantantes de color con un gran seguimiento de público blanco. Pero el éxito de Smith radicó en que las compañías empezaron a buscar otras cantantes negras de blues para empezar la época dorada de las cantantes de blues. Además, Smith abrió la puerta a que cantantes negros pudieran grabar en otro géneros que no estrictamente el blues.
Mamie Smith continuó su serie de éxitos para Okeh en la década de los 20. Viajó por todo Estados Unidos y por Europa con su banda "Mamie Smith & Her Jazz Hounds" como parte de su "Mamie Smith's Struttin' Along Review".Fue llamada "La Reina del Blues", aunque poco después Bessie Smith fuese llamada "La emperatriz del Blues".
Mamie Smith apareció en la película sonora Jail House Blues 1929, retirándose inicialmente en 1931. Volvió en 1939 para aparecer en la película Paradise in Harlem, Mystery in Swing, Sunday Sinners (1940), Stolen Paradise, Murder on Lenox Avenue (1941), y Because I Love You (1943).
En 1920, OKeh Records planeó grabar un disco con la popular cantante Sophie Tucker con un par de canciones de Bradford. Tucker enfermó y no pudo realizar la sesión así que Bradford convenció a la discográfica a que Mamie Smith ocupara el puesto de Tucker. Smith grabó dos canciones ("That Thing Called Love" y "You Can't Keep A Good Man Down") el 14 de febrero de 1920 con la banda blanca del estudio. La buena actuación de Smith hizo que fuera invitada a realizar más canciones. El 10 de agosto de 1920, Smith grabó otra canción de Bradford "Crazy Blues" (que en 2005 fue elegida como pieza artística de preservación de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos), "It's Right Here For You, If You Don't Get It" y 'Tain't No Fault of Mine". Ésta fueron las primeras grabaciones de blues de una cantante afroamericana y el disco fue uno de los más vendidos del año. Después del éxito de Mamie Smith, las compañías discográficas se lanzaron a la grabación de cantantes negros. Y es que, aunque otros afroamericanos habían grabado anteriormente (como el caso de George W.Johnson a finales del siglo XIX), eran cantantes de color con un gran seguimiento de público blanco. Pero el éxito de Smith radicó en que las compañías empezaron a buscar otras cantantes negras de blues para empezar la época dorada de las cantantes de blues. Además, Smith abrió la puerta a que cantantes negros pudieran grabar en otro géneros que no estrictamente el blues.
Mamie Smith continuó su serie de éxitos para Okeh en la década de los 20. Viajó por todo Estados Unidos y por Europa con su banda "Mamie Smith & Her Jazz Hounds" como parte de su "Mamie Smith's Struttin' Along Review".Fue llamada "La Reina del Blues", aunque poco después Bessie Smith fuese llamada "La emperatriz del Blues".
Mamie Smith apareció en la película sonora Jail House Blues 1929, retirándose inicialmente en 1931. Volvió en 1939 para aparecer en la película Paradise in Harlem, Mystery in Swing, Sunday Sinners (1940), Stolen Paradise, Murder on Lenox Avenue (1941), y Because I Love You (1943).
Bessie Smith
Bessie Smith (Chattanooga, Tennessee, 15 de abril de 1894 - Clarksdale, Misisipi, 26 de septiembre de 1937), conocida como la "emperatriz del blues", fue la cantante de blues más popular de los años 20 y 30 y la más influyente en los cantantes que la siguieron.
El primer empleo de Smith fue de bailarina en la compañía Moses Stokes en un espectáculo en el que también trabajaba Ma Rainey, quien no le enseñó a cantar, pero que probablemente le ayudó a desenvolverse en sus comienzos. En 1912, su hermano Clarence le conseguió su primer contrato como profesional.
Smith comenzó a desarrollar su propio espectáculo alrededor de 1913, en el teatro "81" de Atlanta, en 1917 fue descubierta en un club de Selma, Alabama, por Frank Walker (de la discográfica Columbia) y en 1920 había conseguido ganar una reputación en el sur y a lo largo de todo el litoral este de Estados Unidos.
En 1923, cuando el blues comienza a vender discos, firmó con la Columbia records, y rápidamente trazó la línea de la Theater Owners Bookers Association. Su primera grabación fue "DownHearted Blues", grabada en Nueva York en febrero de 1923, una canción escrita y registrada previamente por Alberta Hunter. Ese mismo año graba también "Jailhouse Blues", disco que, en cierto sentido, "señala la aparición del blues clásico"
Trabajando duramente en el teatro durante los meses de invierno y viajando el resto del año (tenía su propio vagón de ferrocarril), Smith llegó a ser la actriz negra mejor pagada de su tiempo. Realizó grabaciones junto a los artistas más importantes del momento, como Louis Armstrong, James P. Johnson, Joe Smith, Charlie Green o Fletcher Henderson.
Con Louis Armstrong grabó el tema "St. Louis Blues", que "constituye el epítome del blues clásico y destaca por el extraordinario equilibrio existente entre la interpretación vocal y el solo de corneta"
La carrera de Smith fue breve debido a una combinación de alcoholismo, La Gran Depresión (la cual paralizó toda la industria discográfica) y el nacimiento del vodevil. Smith, sin embargo, nunca paró de realizarse. Mientras que los días de espectáculos elaborados estaban de moda, ella continuó viajando e invirtiendo tiempo de vez en cuando en cantar en clubs.
En 1929 protagonizó el cortometraje St. Louis Blues (canta la canción "St. Louis Blues" junto a los miembros de la orquesta de Fletcher Henderson, el coro de "Hall Johnson" y en un ambiente musical radicalmente diferente al resto de sus grabaciones) y trabajó también en un fracaso de Broadway llamado Pansy, un musical en el que toda la crítica coincidió en que ella era la única actriz que sobresalía.
John Hammond la convenció para grabar cuatro temas para la casa Okeh en 1933, después de verla actuar en el nightclub de Filadelfia. Éstas iban a ser sus grabaciones finales, de gran interés dado que la banda de acompañamiento incluyó músicos de la Era del Swing de la categoría de Frankie Newton y Chuck Berry. Incluso Benny Goodman, que se encontraba en el estudio colindante, se acercó para colaborar con una casi inaudible participación. Hammond no quedó satisfecho con el resultado, y prefirió poner en la cara B los viejos blues, pero "Take Me For A Buggy Ride" y "Gimme a Pigfoot" están entre sus grabaciones más populares.
Smith reanudó sus viajes agregando swing a su repertorio y logrando un cierto éxito.
El 26 de septiembre de 1937 sufrió un grave accidente de coche mientras viajaba a un concierto en Clarksdale, Memphis. Se dirigía, a lo largo del estado de Misisipi, por la autopista 61 con su compañero (y tío de Lionel Hampton) Richard Morgan. La llevaron al Afro-Hospital de Clarksdale, donde tuvieron que amputarle el brazo. Ya no volvió a recuperar el sentido y murió esa misma mañana.
Smith comenzó a desarrollar su propio espectáculo alrededor de 1913, en el teatro "81" de Atlanta, en 1917 fue descubierta en un club de Selma, Alabama, por Frank Walker (de la discográfica Columbia) y en 1920 había conseguido ganar una reputación en el sur y a lo largo de todo el litoral este de Estados Unidos.
En 1923, cuando el blues comienza a vender discos, firmó con la Columbia records, y rápidamente trazó la línea de la Theater Owners Bookers Association. Su primera grabación fue "DownHearted Blues", grabada en Nueva York en febrero de 1923, una canción escrita y registrada previamente por Alberta Hunter. Ese mismo año graba también "Jailhouse Blues", disco que, en cierto sentido, "señala la aparición del blues clásico"
Trabajando duramente en el teatro durante los meses de invierno y viajando el resto del año (tenía su propio vagón de ferrocarril), Smith llegó a ser la actriz negra mejor pagada de su tiempo. Realizó grabaciones junto a los artistas más importantes del momento, como Louis Armstrong, James P. Johnson, Joe Smith, Charlie Green o Fletcher Henderson.
Con Louis Armstrong grabó el tema "St. Louis Blues", que "constituye el epítome del blues clásico y destaca por el extraordinario equilibrio existente entre la interpretación vocal y el solo de corneta"
La carrera de Smith fue breve debido a una combinación de alcoholismo, La Gran Depresión (la cual paralizó toda la industria discográfica) y el nacimiento del vodevil. Smith, sin embargo, nunca paró de realizarse. Mientras que los días de espectáculos elaborados estaban de moda, ella continuó viajando e invirtiendo tiempo de vez en cuando en cantar en clubs.
En 1929 protagonizó el cortometraje St. Louis Blues (canta la canción "St. Louis Blues" junto a los miembros de la orquesta de Fletcher Henderson, el coro de "Hall Johnson" y en un ambiente musical radicalmente diferente al resto de sus grabaciones) y trabajó también en un fracaso de Broadway llamado Pansy, un musical en el que toda la crítica coincidió en que ella era la única actriz que sobresalía.
John Hammond la convenció para grabar cuatro temas para la casa Okeh en 1933, después de verla actuar en el nightclub de Filadelfia. Éstas iban a ser sus grabaciones finales, de gran interés dado que la banda de acompañamiento incluyó músicos de la Era del Swing de la categoría de Frankie Newton y Chuck Berry. Incluso Benny Goodman, que se encontraba en el estudio colindante, se acercó para colaborar con una casi inaudible participación. Hammond no quedó satisfecho con el resultado, y prefirió poner en la cara B los viejos blues, pero "Take Me For A Buggy Ride" y "Gimme a Pigfoot" están entre sus grabaciones más populares.
Smith reanudó sus viajes agregando swing a su repertorio y logrando un cierto éxito.
El 26 de septiembre de 1937 sufrió un grave accidente de coche mientras viajaba a un concierto en Clarksdale, Memphis. Se dirigía, a lo largo del estado de Misisipi, por la autopista 61 con su compañero (y tío de Lionel Hampton) Richard Morgan. La llevaron al Afro-Hospital de Clarksdale, donde tuvieron que amputarle el brazo. Ya no volvió a recuperar el sentido y murió esa misma mañana.
Ma Rainey
Gertrude Malissa Nix Pridgett Rainey (Columbus (Georgia), 26 de abril de 1886 - 22 de diciembre de 1939), conocida como Ma Rainey, fue una cantante negra de blues clásico, una de las primeras en hacerlo con acompañamiento de piano o de orquesta de jazz.
Conocida como la "madre del blues" (en parte por su labor de mentora de Bessie Smith), sus grabaciones, un centenar, realizadas cuando tenía cuarenta años, corresponden a los años entre 1923 y 1929, y ejemplifican un tipo de blues urbano ya estandarizado.
Influyó a grandes figuras como Ethel Waters y Billie Holiday.
Casada a los 14 años con Will Rainey, realizó de joven varias giras con los Rabbit Foot Minstrels.
Se retiró a los 47 años, muriendo a los 53 por problemas cardíacos.
En 1994, el servicio postal estadounidense editó un sello postal en su honor.
Influyó a grandes figuras como Ethel Waters y Billie Holiday.
Casada a los 14 años con Will Rainey, realizó de joven varias giras con los Rabbit Foot Minstrels.
Se retiró a los 47 años, muriendo a los 53 por problemas cardíacos.
En 1994, el servicio postal estadounidense editó un sello postal en su honor.
Lightnin' Hopkins
Sam “Lightnin´” Hopkins (15 de marzo de 1912 – 30 de enero de 1982 ) fue un guitarrista y cantante de country blues nacido en Houston, Texas, Estados Unidos.
Nacido en Centerville, Texas, la pasión de Hopkins por el blues se encendió a la edad de 8 años cuando conoció a Blind Lemon Jefferson en un pícnic de la iglesia en Buffalo, Texas. Aquel día, Hopkins sintió que el blues estaba “dentro de él” y comenzó a aprender de su primo lejano, el cantante de country blues Alger “Texas” Alexander. A mediados de los años 30, Hopkins fue enviado a la prisión del condado de Texas por un delito desconocido. A finales de 1930 Hopkins se trasladó a Houston con Alexander en un fracasado intento de tener éxito en la escena musical de allí. A principios de los años 40 había vuelto a Centerville para trabajar como granjero.
Hopkins realizó un segundo intento en Houston en 1946. Mientras cantaba en Downlin Street, en el Third Ward de Houston (que se convertiría en su campamento base) fue descubierto por Lola Anne Cullum de la compañía de Los Ángeles Aladdin Records. Ella convenció a Hopkins para que viajase a L.A. para acompañar al pianista Wilson Smith. El dúo grabó 12 canciones en sus primeras sesiones en 1946. Un ejecutivo de Aladdin Records decidió que la pareja necesitaba más dinamismo en sus nombres, y bautizó a Hopkins como “Lightnin´” y a Wilson como “Thunder”.
Hopkins grabó más piezas para Aladdin en 1948, pero pronto sintió nostalgia por su lugar de procedencia. Volvió a Houston y comenzó a grabar para el sello Gold Star Records. Durante finales de los 40 y los años 50, Hopkins prácticamente no actuó fuera de Texas. Sin embargo, grabó abundante material. Se estima que grabó entre 800 y 1000 canciones a lo largo de su carrera. Tocaba a menudo en clubs de Houston y alrededores, especialmente en Dowling Street, donde fue descubierto por primera vez. Grabó sus éxitos “T-Model Blues” y “Tim Moore´s Farm” en los estudios de grabación SugarHill, en Houston. Desde mediados de los años 50 hasta el final de la década, su abundante producción de grabaciones de calidad le había granjeado un gran número de seguidores entre los afroamericanos y aficionados a la música blues.
En 1959, el folklorista Mack McCormick se puso en contacto con Hopkins con la esperanza de que atrajese la atención de un público más amplio, aprovechando el revival del folk. McCormick presentó a Hopkins a pequeñas audiencias, primero en Houston y luego en California. Hopkins debutó en el Carnegie Hall el 14 de octubre de 1960, junto a Joan Baez y Pete Seeger, interpretando el espiritual Oh, Mary Don´t You Weep. En 1960, firmó un contrato con Tradition Records. A esto le siguió una serie de sólidas grabaciones, incluyendo su clásico “Mojo Hand” de 1960.
A comienzos de los 60, la reputación de Hopkins como intérprete de blues se había consolidado; finalmente había conseguido éxito y reconocimiento. En 1968, grabó el álbum Free From Patterns, acompañado por la sección rítmica del grupo de rock psicodélico The 13th Floor Elevators. A lo largo de los 60 y los 70, Hopkins publicó uno y a veces hasta dos discos al año, e hizo giras, actuando en festivales de folk, clubs de folk y campus universitarios en los EEUU y en otros países. Viajó mucho por los Estados Unidos, y superó su miedo a volar para unirse en 1964 al Festival Americano de Folk Blues.
El cineasta Les Blank capturó el estilo informal de Hopkins vívidamente en su aclamado documental de 1967 The Blues According’ To Lightnin’ Hopkins.
Falleció de cáncer en Houston, en 1982.
Hopkins realizó un segundo intento en Houston en 1946. Mientras cantaba en Downlin Street, en el Third Ward de Houston (que se convertiría en su campamento base) fue descubierto por Lola Anne Cullum de la compañía de Los Ángeles Aladdin Records. Ella convenció a Hopkins para que viajase a L.A. para acompañar al pianista Wilson Smith. El dúo grabó 12 canciones en sus primeras sesiones en 1946. Un ejecutivo de Aladdin Records decidió que la pareja necesitaba más dinamismo en sus nombres, y bautizó a Hopkins como “Lightnin´” y a Wilson como “Thunder”.
Hopkins grabó más piezas para Aladdin en 1948, pero pronto sintió nostalgia por su lugar de procedencia. Volvió a Houston y comenzó a grabar para el sello Gold Star Records. Durante finales de los 40 y los años 50, Hopkins prácticamente no actuó fuera de Texas. Sin embargo, grabó abundante material. Se estima que grabó entre 800 y 1000 canciones a lo largo de su carrera. Tocaba a menudo en clubs de Houston y alrededores, especialmente en Dowling Street, donde fue descubierto por primera vez. Grabó sus éxitos “T-Model Blues” y “Tim Moore´s Farm” en los estudios de grabación SugarHill, en Houston. Desde mediados de los años 50 hasta el final de la década, su abundante producción de grabaciones de calidad le había granjeado un gran número de seguidores entre los afroamericanos y aficionados a la música blues.
En 1959, el folklorista Mack McCormick se puso en contacto con Hopkins con la esperanza de que atrajese la atención de un público más amplio, aprovechando el revival del folk. McCormick presentó a Hopkins a pequeñas audiencias, primero en Houston y luego en California. Hopkins debutó en el Carnegie Hall el 14 de octubre de 1960, junto a Joan Baez y Pete Seeger, interpretando el espiritual Oh, Mary Don´t You Weep. En 1960, firmó un contrato con Tradition Records. A esto le siguió una serie de sólidas grabaciones, incluyendo su clásico “Mojo Hand” de 1960.
A comienzos de los 60, la reputación de Hopkins como intérprete de blues se había consolidado; finalmente había conseguido éxito y reconocimiento. En 1968, grabó el álbum Free From Patterns, acompañado por la sección rítmica del grupo de rock psicodélico The 13th Floor Elevators. A lo largo de los 60 y los 70, Hopkins publicó uno y a veces hasta dos discos al año, e hizo giras, actuando en festivales de folk, clubs de folk y campus universitarios en los EEUU y en otros países. Viajó mucho por los Estados Unidos, y superó su miedo a volar para unirse en 1964 al Festival Americano de Folk Blues.
El cineasta Les Blank capturó el estilo informal de Hopkins vívidamente en su aclamado documental de 1967 The Blues According’ To Lightnin’ Hopkins.
Falleció de cáncer en Houston, en 1982.
viernes, 22 de julio de 2011
Django Reinhardt
Jean Baptiste "Django" Reinhardt (Liberchies, Bélgica, 23 de enero de 1910 - Fontainebleau, Francia, 16 de mayo de 1953) fue un guitarrista de jazz de origen gitano sinti.
Jean Baptiste, apodado «Django», creció en un campamento gitano situado a las afueras de París, al lado de las fortificaciones que la rodeaban, a donde se había trasladado su tribu materna cuando tenía ocho años, absorbiendo la raíz gitana que luego se mostraría en su música. Django nunca llegó a utilizar juegos o a vivir en una casa verdadera hasta que cumplió los veinte años. Estos gitanos franceses o Manouches eran un mundo en sí mismos, medievales en sus creencias y desconfiados de la ciencia moderna.
Fue a una edad temprana cuando Django se sintió atraído por la música. Cuando tenía doce años consiguió su primer instrumento, un banjo que le regaló un vecino enterado de su interés prematuro por la música. Aprendió rápidamente a tocarlo, copiando la digitación de los músicos que podía observar. Asombró pronto a los adultos con su habilidad con la guitarra y, antes de los trece años, empezó su carrera musical con el popular acordeonista Guerino en un salón de baile en la Rue Monge. Tocaría también con otras bandas y músicos e hizo sus primeras grabaciones con el acordeonista Jean Vaissade para la Ideal Company. Dado que Django no sabía ni leer ni escribir en esa época, su nombre apareció como "Jiango Renard" en esas grabaciones.
El 2 de noviembre de 1928, a la una de la madrugada, Django regresaba a su casa-caravana de una noche de música en el nuevo club La Java. La caravana había sido llenada con flores de celuloide por su mujer, que pretendía venderlas al día siguiente. Django creyó oír un ratón y utilizó una vela para poder verlo. Un poco de cera caída sobre las altamente inflamables flores bastó para provocar un infernal incendio. El músico se envolvió en una manta para protegerse de las llamas. Tanto él como su mujer salvaron la vida, pero su mano izquierda y toda la parte derecha de su cuerpo de la rodilla a la cintura quedaron seriamente dañadas.
En un principio los doctores querían amputar su pierna, pero Django se opuso. Los cuidados recibidos en una enfermería serían luego decisivos para salvarle la pierna. Django estuvo dieciocho meses postrado en la cama. Al final había quedado incapacitado del cuarto y quinto dedos de la mano izquierda (que habían quedado contraídos hacia la palma de la mano debido al calor recibido por los tendones). No obstante, gracias a su ingenio inventó un sistema de digitación para suplir su problema, sistema que influyó en cierta medida en la originalidad de su estilo. Podía usarlos en las primeras dos cuerdas de la guitarra para los acordes y las octavas, pero su completa extensión era imposible. Con todo, fue capaz de convertirse en un gigante de la guitarra únicamente con el uso del dedo índice y del dedo medio.
De acuerdo con algunas fuentes, fue durante su período de recuperación cuando Django se introdujo en el jazz americano, cuando encontró un disco de Louis Armstrong, Dallas Blues, en un mercado originario de Nueva Orleans. Estuvo trabajando en los cafés parisinos hasta que en 1934 el jefe del Hot Club, Pierre Nourry, le propuso la idea de formar una banda de cuerdas en la que estarían él y Grappélli. Así nació el Quintet of the Hot Club of France, que rápidamente se hizo famoso en todo el mundo gracias a sus grabaciones para Ultraphone, Decca y HMV.
El estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939 disolvió el grupo, quedando Grappélli en Londres con el resto de los músicos y con Django regresando a Francia. Durante los años de la guerra lideró una big band, otro quinteto con el claritenista Hubert Rostaing en el lugar de Grappelli, y tras la liberación de París, grabó con músicos estadounidenses que llegaban de visita a Francia como Mel Powell, Peanuts Hucko y Ray McKinley. En 1946 Reinhardt comenzó a practicar con la guitarra eléctrica y realizó una gira por Estados Unidos como solista con la orquesta de Duke Ellington, aunque no obtuvo gran éxito. Algunas de sus grabaciones con la guitarra eléctrica en los últimos años de su vida son incursiones en el bop que suenan frenéticas en comparación con el alegre swing de sus inicios. Sin embargo, a partir de enero de 1946, Reinhardt y Grappelli llevaron a cabo varias reuniones esporádicas donde las influencias bop están más sutilmente integradas en el antiguo formato swing.
Durante los años cincuenta, Reinhardt se retiró a Europa, tocando y grabando allí hasta su muerte, debida a una hemorragia cerebral, a la edad de 43 años (en 1953).
Jean Baptiste, apodado «Django», creció en un campamento gitano situado a las afueras de París, al lado de las fortificaciones que la rodeaban, a donde se había trasladado su tribu materna cuando tenía ocho años, absorbiendo la raíz gitana que luego se mostraría en su música. Django nunca llegó a utilizar juegos o a vivir en una casa verdadera hasta que cumplió los veinte años. Estos gitanos franceses o Manouches eran un mundo en sí mismos, medievales en sus creencias y desconfiados de la ciencia moderna.
El 2 de noviembre de 1928, a la una de la madrugada, Django regresaba a su casa-caravana de una noche de música en el nuevo club La Java. La caravana había sido llenada con flores de celuloide por su mujer, que pretendía venderlas al día siguiente. Django creyó oír un ratón y utilizó una vela para poder verlo. Un poco de cera caída sobre las altamente inflamables flores bastó para provocar un infernal incendio. El músico se envolvió en una manta para protegerse de las llamas. Tanto él como su mujer salvaron la vida, pero su mano izquierda y toda la parte derecha de su cuerpo de la rodilla a la cintura quedaron seriamente dañadas.
En un principio los doctores querían amputar su pierna, pero Django se opuso. Los cuidados recibidos en una enfermería serían luego decisivos para salvarle la pierna. Django estuvo dieciocho meses postrado en la cama. Al final había quedado incapacitado del cuarto y quinto dedos de la mano izquierda (que habían quedado contraídos hacia la palma de la mano debido al calor recibido por los tendones). No obstante, gracias a su ingenio inventó un sistema de digitación para suplir su problema, sistema que influyó en cierta medida en la originalidad de su estilo. Podía usarlos en las primeras dos cuerdas de la guitarra para los acordes y las octavas, pero su completa extensión era imposible. Con todo, fue capaz de convertirse en un gigante de la guitarra únicamente con el uso del dedo índice y del dedo medio.
De acuerdo con algunas fuentes, fue durante su período de recuperación cuando Django se introdujo en el jazz americano, cuando encontró un disco de Louis Armstrong, Dallas Blues, en un mercado originario de Nueva Orleans. Estuvo trabajando en los cafés parisinos hasta que en 1934 el jefe del Hot Club, Pierre Nourry, le propuso la idea de formar una banda de cuerdas en la que estarían él y Grappélli. Así nació el Quintet of the Hot Club of France, que rápidamente se hizo famoso en todo el mundo gracias a sus grabaciones para Ultraphone, Decca y HMV.
El estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939 disolvió el grupo, quedando Grappélli en Londres con el resto de los músicos y con Django regresando a Francia. Durante los años de la guerra lideró una big band, otro quinteto con el claritenista Hubert Rostaing en el lugar de Grappelli, y tras la liberación de París, grabó con músicos estadounidenses que llegaban de visita a Francia como Mel Powell, Peanuts Hucko y Ray McKinley. En 1946 Reinhardt comenzó a practicar con la guitarra eléctrica y realizó una gira por Estados Unidos como solista con la orquesta de Duke Ellington, aunque no obtuvo gran éxito. Algunas de sus grabaciones con la guitarra eléctrica en los últimos años de su vida son incursiones en el bop que suenan frenéticas en comparación con el alegre swing de sus inicios. Sin embargo, a partir de enero de 1946, Reinhardt y Grappelli llevaron a cabo varias reuniones esporádicas donde las influencias bop están más sutilmente integradas en el antiguo formato swing.
Durante los años cincuenta, Reinhardt se retiró a Europa, tocando y grabando allí hasta su muerte, debida a una hemorragia cerebral, a la edad de 43 años (en 1953).
Stéphane Grappelli
Stéphane Grappelli (París, 26 de enero de 1908 — París, 1 de diciembre de 1997), fue un violinista de jazz francés, uno de los más grandes violinistas de jazz del siglo XX. Creó junto a Django Reinhardt el Quinteto del Hot Club de Francia.
De padre italiano y madre francesa, a la edad de 4 años queda huérfano de madre. A los 12 años comienza a tocar el violín en las calles para llevar dinero a su casa. En 1923 -a los 15 años- comienza su carrera profesional como violinista y pianista en los cines acompañando a las películas mudas.
En 1934 nace el Quinteto del Hot Club de Francia. Al comenzar la Segunda Guerra Mundial se encuentran de gira en Inglaterra; Django vuelve enseguida a Francia, pero Grappelli decide quedarse en Londres. Cuando se reencuentran en 1946, tocan y graban espontáneamente La Marsellesa rebautizada Ecos de Francia . Esta grabación se convertirá en un escándalo y la matriz será destruida.
Después de tocar con Reinhardt -lo que da nacimiento a lo que ahora se llama "swing Manouche"- Grappelli graba más de un centenar de discos con grandes músicos, especialmente con Oscar Peterson, Jean-Luc Ponty, Philip Catherine, el cantor Paul Frederic Simon, David Grisman e incluso con Yehudi Menuhin o con el violinista indio Lakshminarayana Subramaniam.
Es también el compositor e intérprete de piezas originales de la banda sonora del film Les Valseuses (Los Rompepelotas) de Bertrand Blier en 1974, y de la música de Milou en mayo, film de Louis Malle de 1989.
Fue condecorado como Caballero de la Legión de Honor.
En 1934 nace el Quinteto del Hot Club de Francia. Al comenzar la Segunda Guerra Mundial se encuentran de gira en Inglaterra; Django vuelve enseguida a Francia, pero Grappelli decide quedarse en Londres. Cuando se reencuentran en 1946, tocan y graban espontáneamente La Marsellesa rebautizada Ecos de Francia . Esta grabación se convertirá en un escándalo y la matriz será destruida.
Después de tocar con Reinhardt -lo que da nacimiento a lo que ahora se llama "swing Manouche"- Grappelli graba más de un centenar de discos con grandes músicos, especialmente con Oscar Peterson, Jean-Luc Ponty, Philip Catherine, el cantor Paul Frederic Simon, David Grisman e incluso con Yehudi Menuhin o con el violinista indio Lakshminarayana Subramaniam.
Es también el compositor e intérprete de piezas originales de la banda sonora del film Les Valseuses (Los Rompepelotas) de Bertrand Blier en 1974, y de la música de Milou en mayo, film de Louis Malle de 1989.
Fue condecorado como Caballero de la Legión de Honor.
Tete Montoliu
Tete Montoliu (March 28, 1933–August 24, 1997) was a jazz pianist from Catalonia, Spain. His real name was Vicenç Montoliu i Massana.
From 1946 to 1953 Montoliu studied music at the Conservatori Superior de Música de Barcelona where he also met jazz musicians, and became familiar with the idiom in jam sessions. During the early stages of his career, Montoliu was particularly influenced by the music of the American jazz pianist Art Tatum, although he soon developed a distinctive style, characterised by a profound musical sensitivity and extraordinary technical skill. Montoliu began playing professionally at pubs in Barcelona, where he was noticed by Lionel Hampton on March 13, 1956. Montoliu toured with Hampton through Spain and France and recorded Jazz flamenco, setting off a prolific international career.
In the 1960s, Montoliu played in various concerts at New York and established collaborations with Elvin Jones and Richard Davis. During the 1970s, he travelled extensively throughout Europe, consolidating his reputation as a main referent in the Hard Bop movement. During the 1980s, he played in numerous concerts, collaborating with prominent jazz players such as Dexter Gordon, Johnny Griffin, George Coleman, Joe Henderson, Dizzy Gillespie, Chick Corea, Hank Jones, Roy Hargrove, Jerry Tilitz and Jesse Davis, among others.
In 1996, shortly before his death, Spain paid public tribute to Tete Montoliu for his outstanding fifty-year career in jazz.
Vicenç Montoliu i Massana, conocido como Tete Montoliu (Barcelona, 28 de marzo de 1933 - Barcelona, 24 de agosto de 1997), fue un pianista y compositor de jazz catalan, el primero que trascendió las fronteras de España y alcanzó el nivel internacional.
Tete comenzó ganándose la vida tocando en pubs de Barcelona, donde sería descubierto por Lionel Hampton, quien le invitaría a sumarse a su banda de gira por Europa. A partir de este momento se sucederán las giras, las grabaciones, los recitales y los festivales, y llegará a tocar con numerosos artistas de la talla de Chick Corea, Paquito D'Rivera, Alvin Jones, John Coltrane, Dexter Gordon, Ben Webster, Stan Getz, Stéphane Grappelli o Chet Baker.
Grabó un gran número de discos, de puro jazz, composiciones propias, arreglos de músicas tradicionales; solo, en colaboración (con Núria Feliu) o con su inseparable trío: el contrabajista Horacio Fumero y el baterista Peer Wyboris. En 1996, recibió un homenaje a escala nacional en el Teatro Monumental de Madrid con motivo de sus 50 años en el mundo del jazz. Tras su muerte, se creó la "Bienal Premios Tete Montoliu de Jazz".
Archie Shepp
Archie Shepp (Fort Lauderdale, 24 de mayo de 1937) es un saxofonista estadounidense de jazz.
Archie Shepp nació en Fort Lauderdale, Florida, pero creció en Filadelfia, Pensilvania, donde estudió piano, clarinete y saxo alto, antes de centrarse en el saxo tenor (aunque en ocasiones toca el saxo soprano). Es conocido especialmente por su música apasionadamente afrocéntrica de finales de los sesenta, con un fuerte compromiso con la denuncia de las injusticias sufridas por la raza negra. También es recordada su obra con los New York Contemporary Five, con Don Cherry, y sus extensas colaboraciones con sus contemporáneos vanguardistas Cecil Taylor y John Coltrane.
Las bandas que ha liderado, sobre todo en la década de 1960, han incluído a músicos como Charlie Haden, Ron Carter, Lars Gullin, Tete Montoliu, Niels-Henning Orsted Pedersen, Cedar Walton, Bernard Purdie, Wilton Felder, Hank Mobley, Harold Mabern, Cornell Dupree Bobby Hutcherson y Grachan Moncur III.
En las décadas de 1970 y 1980, formó varios duos con Horace Parlan, Niels-Henning Orsted Pedersen y Max Roach, entre otros.
Las bandas que ha liderado, sobre todo en la década de 1960, han incluído a músicos como Charlie Haden, Ron Carter, Lars Gullin, Tete Montoliu, Niels-Henning Orsted Pedersen, Cedar Walton, Bernard Purdie, Wilton Felder, Hank Mobley, Harold Mabern, Cornell Dupree Bobby Hutcherson y Grachan Moncur III.
En las décadas de 1970 y 1980, formó varios duos con Horace Parlan, Niels-Henning Orsted Pedersen y Max Roach, entre otros.
Yusef Lateef
William Emanuel Huddleston (Chatanooga, 9 de octubre de 1920), Yusef Lateef, es un músico estadounidense que toca la flauta, el oboe y el saxo tenor, encuadrado habitualmente como músico de jazz, aunque su ámbito estilístico es el de la vanguardia musical en general: hard bop, new age, músicas del mundo, etc.
Lateef creció en Detroit y empezó tocando el saxo tenor a los 17 años. Trabajó con Lucky Millinder (1946), Hot Lips Page, Roy Eldridge y con la big band de Dizzy Gillespie (1949-50). Durante los años cincuenta se inició en el estudio de la flauta en la Wayne State University.
Comenzó a grabar como líder en 1955 para el sello Savoy (y más tarde para Riverside y Prestige). En 1959 se trasladó a Nueva York, cuando ya tenía una sólida reputación por su versatilidad y su tendencia a utilizar instrumentos creados por él.
En 1960 tocó con Charles Mingus, acompañó a Donald Byrd y trabajó con el Cannonball Adderley Sextet (1962-1964).
Con Impulse! (1963-1966) graba algunos de sus mejores trabajos, como también lo fueron los grabados para Atlantic (1967-76).
En los años ochenta se dedicó a la enseñanza en Nigeria y su música prestó atención al new age, ampliando sus intereses en los noventa, llegando a grabar improvisación pura con músicos como Ricky Ford, Archie Shepp y Von Freeman.
Comenzó a grabar como líder en 1955 para el sello Savoy (y más tarde para Riverside y Prestige). En 1959 se trasladó a Nueva York, cuando ya tenía una sólida reputación por su versatilidad y su tendencia a utilizar instrumentos creados por él.
En 1960 tocó con Charles Mingus, acompañó a Donald Byrd y trabajó con el Cannonball Adderley Sextet (1962-1964).
Con Impulse! (1963-1966) graba algunos de sus mejores trabajos, como también lo fueron los grabados para Atlantic (1967-76).
En los años ochenta se dedicó a la enseñanza en Nigeria y su música prestó atención al new age, ampliando sus intereses en los noventa, llegando a grabar improvisación pura con músicos como Ricky Ford, Archie Shepp y Von Freeman.
Charlie Parker
Charles Christopher Parker Jr. (Kansas City, 29 de agosto de 1920 - Nueva York, 12 de marzo de 1955), conocido como Charlie Parker, fue un saxofonista y compositor estadounidense de jazz. Apodado Bird, es considerado uno de los mejores saxofonistas altos de la historia del jazz, siendo una de las figuras claves en la evolución del jazz y uno de sus artistas más legendarios y admirados.
Hijo único de Charles y Addie Parker, sus inicios en la música fueron a una edad temprana. Tocó en un principio la tuba barítona, antes de cambiarse al saxofón. Su madre se negó a la tuba, pensando que no era un instrumento adecuado para él, así que, ahorrando de todas partes, le compró un saxo alto. Aprendió de manera autodidacta fijándose de los grandes saxofonistas de la época, sobre todo en Lester Young y Buster Smith, sus primeras influencias. A los catorce años abandonó la escuela para sumergirse de lleno en el ambiente musical de su ciudad. Tras algunas experiencias frustrantes en varias jam sessions, Parker consiguió, tras trabajar mucho su técnica, ser considerado ya en 1937 (tras unirse a la orquesta de Jay McShann) una primera figura del jazz.
Parker llegó por primera vez a Nueva York en 1939, donde trabajó como lavaplatos en un club donde podía oír todas las noches a Art Tatum. Realizó su grabación de debut con Jay McShann en 1940, creando solos destacados con un pequeño grupo de la orquesta de McShann en temas como "Oh, Lady Be Good" y "Honeysuckle Rose". Con la big band de McShann lograría en 1941 impresionar a las audiencias con sus nuevas ideas musicales. Tras tocar con Dizzy Gillespie por primera vez en 1940, tuvo una breve colaboración con la orquesta de Noble Sissle en 1942, tocó el saxo tenor con la orquesta de bop de Earl Hines en 1943 y estuvo varios meses de 1944 en la orquesta del cantante Billy Eckstine, aunque la abandonaría antes de que el grupo hiciese sus primeras grabaciones. Gillespie formaba parte también de las orquestas de Hines y Eckstine; a finales del 1944 los dos músicos empezaron a trabajar juntos.
Aunque Charlie Parker grabó con el grupo de Tiny Grimes en 1944, fue su colaboración con el trompetista Dizzy Gillespie en 1945 la que lo daría a conocer de forma definitiva en el mundo del jazz con temas tan novedosos como "Groovin' High", "Dizzy Atmosphere", "Shaw 'Nuff", "Salt Peanuts" y "Hot House"; sus solos representaban una novedad absoluta para los oyentes acostumbrados a los convencionalismos de Glenn Miller y Benny Goodman. Sus grabaciones de 1943 y 1944 (dato dudoso ya que las grabaciones de esta época solo pudieron hacerse hasta después del 1 de noviembre de 1944, fecha en la que terminó la huelga de músicos) dieron carta de naturaleza al bebop, una música que era más bien una evolución del swing, antes que una revolución, aunque su impacto fuese extraordinario.
La carrera de Parker se vio lastrada por las drogas. Adicto a la heroína casi desde su adolescencia, muchos músicos le imitaron en esto con la convicción de que así podrían elevar su calidad musical.
Cuando Gillespie y Parker (conocidos como "Diz and Bird") viajaron a Los Ángeles, fueron recibidos con una mezcla de hostilidad e indiferencia, sobre todo por los músicos más veteranos. Regresaron a Nueva York. Pero de forma impulsiva, Parker decidió quedarse en Los Ángeles y, tras algunas grabaciones e interpretaciones (incluyendo la clásica versión de "Oh, Lady Be Good" con Jazz at the Philharmonic y las sesiones para el álbum Dial Sessions), la combinación de drogas y alcohol resultó en un ataque cerebral y seis meses de confinamiento en el Camarillo State Hospital. Rehabilitado en enero de 1947, volvió a Nueva York y realizó algunas de las mejores interpretaciones de su carrera, liderando un quinteto que incluía a Miles Davis, Duke Jordan, Tommy Potter y Max Roach. En 1947, junto a Dizzy Gillespie, se presentó en el majestuoso Carnegie Hall de Nueva York, tocando con la orquesta de este y con su quinteto. El evento se encuentra disponible hoy en el disco Charlie Parker & Dizzy Gillespie: BIRD & DIZ AT THE CARNEGIE HALL. Parker, que grabó simultáneamente para las compañías Savoy y Dial, estuvo en plena forma durante los años 1947-1951, visitando Europa en 1949 y 1950, y realizando el viejo sueño de grabar con cuerdas en 1949 tras firmar con el sello Verve de Norman Granz.
En 1951, su licencia de cabaret le fue revocada en Nueva York, lo que le dificultaba tocar en clubes. Sus problemas con las drogas se agudizaron y, aunque podía seguir tocando de forma inspirada (como lo demuestra su grabación de 1953 en el Concierto en el Massey Hall en Canadá con Dizzy Gillespie, Bud Powell, Max Roach y Charles Mingus), su carrera entró en declive. En 1954, con la muerte de una hija por carecer de dinero para una adecuada atención de una neumonía, protagonizó dos intentos de suicidio, y finalmente, murió en marzo de 1955 a los 34 años como consecuencia de un colapso cardiocirculatorio.
Parker llegó por primera vez a Nueva York en 1939, donde trabajó como lavaplatos en un club donde podía oír todas las noches a Art Tatum. Realizó su grabación de debut con Jay McShann en 1940, creando solos destacados con un pequeño grupo de la orquesta de McShann en temas como "Oh, Lady Be Good" y "Honeysuckle Rose". Con la big band de McShann lograría en 1941 impresionar a las audiencias con sus nuevas ideas musicales. Tras tocar con Dizzy Gillespie por primera vez en 1940, tuvo una breve colaboración con la orquesta de Noble Sissle en 1942, tocó el saxo tenor con la orquesta de bop de Earl Hines en 1943 y estuvo varios meses de 1944 en la orquesta del cantante Billy Eckstine, aunque la abandonaría antes de que el grupo hiciese sus primeras grabaciones. Gillespie formaba parte también de las orquestas de Hines y Eckstine; a finales del 1944 los dos músicos empezaron a trabajar juntos.
Aunque Charlie Parker grabó con el grupo de Tiny Grimes en 1944, fue su colaboración con el trompetista Dizzy Gillespie en 1945 la que lo daría a conocer de forma definitiva en el mundo del jazz con temas tan novedosos como "Groovin' High", "Dizzy Atmosphere", "Shaw 'Nuff", "Salt Peanuts" y "Hot House"; sus solos representaban una novedad absoluta para los oyentes acostumbrados a los convencionalismos de Glenn Miller y Benny Goodman. Sus grabaciones de 1943 y 1944 (dato dudoso ya que las grabaciones de esta época solo pudieron hacerse hasta después del 1 de noviembre de 1944, fecha en la que terminó la huelga de músicos) dieron carta de naturaleza al bebop, una música que era más bien una evolución del swing, antes que una revolución, aunque su impacto fuese extraordinario.
La carrera de Parker se vio lastrada por las drogas. Adicto a la heroína casi desde su adolescencia, muchos músicos le imitaron en esto con la convicción de que así podrían elevar su calidad musical.
Cuando Gillespie y Parker (conocidos como "Diz and Bird") viajaron a Los Ángeles, fueron recibidos con una mezcla de hostilidad e indiferencia, sobre todo por los músicos más veteranos. Regresaron a Nueva York. Pero de forma impulsiva, Parker decidió quedarse en Los Ángeles y, tras algunas grabaciones e interpretaciones (incluyendo la clásica versión de "Oh, Lady Be Good" con Jazz at the Philharmonic y las sesiones para el álbum Dial Sessions), la combinación de drogas y alcohol resultó en un ataque cerebral y seis meses de confinamiento en el Camarillo State Hospital. Rehabilitado en enero de 1947, volvió a Nueva York y realizó algunas de las mejores interpretaciones de su carrera, liderando un quinteto que incluía a Miles Davis, Duke Jordan, Tommy Potter y Max Roach. En 1947, junto a Dizzy Gillespie, se presentó en el majestuoso Carnegie Hall de Nueva York, tocando con la orquesta de este y con su quinteto. El evento se encuentra disponible hoy en el disco Charlie Parker & Dizzy Gillespie: BIRD & DIZ AT THE CARNEGIE HALL. Parker, que grabó simultáneamente para las compañías Savoy y Dial, estuvo en plena forma durante los años 1947-1951, visitando Europa en 1949 y 1950, y realizando el viejo sueño de grabar con cuerdas en 1949 tras firmar con el sello Verve de Norman Granz.
En 1951, su licencia de cabaret le fue revocada en Nueva York, lo que le dificultaba tocar en clubes. Sus problemas con las drogas se agudizaron y, aunque podía seguir tocando de forma inspirada (como lo demuestra su grabación de 1953 en el Concierto en el Massey Hall en Canadá con Dizzy Gillespie, Bud Powell, Max Roach y Charles Mingus), su carrera entró en declive. En 1954, con la muerte de una hija por carecer de dinero para una adecuada atención de una neumonía, protagonizó dos intentos de suicidio, y finalmente, murió en marzo de 1955 a los 34 años como consecuencia de un colapso cardiocirculatorio.
Kenny Dorham
McKinley Howard (Kenny) Dorham (Texas, 30 de agosto de 1924 — Nueva York, 5 de diciembre de 1972), fue un trompetista, compositor y cantante de jazz estadounidense.
En 1945 forma parte de las orquestas de Dizzy Gillespie y de Billy Eckstine. Posteriormente formaría parte del quinteto de Charlie Parker entre 1948 y 1949. También formo parte de los Jazz Messengers de Art Blakey y del quinteto de Max Roach.
Kenny Dorham fue, además de un gran trompetista, un eficiente arreglista y compositor, siendo Blue Bossa su tema más famoso (El cual aparece en el disco de Joe Henderson "Page One"). Dorham era uno de los pocos trompetistas que Miles Davis, persona avara en halagos, reconocía como influencia.
Falleció en Nueva York, a la edad de 48 años, de una enfermedad del riñón, que padeció durante sus últimos años de vida.
Kenny Dorham fue, además de un gran trompetista, un eficiente arreglista y compositor, siendo Blue Bossa su tema más famoso (El cual aparece en el disco de Joe Henderson "Page One"). Dorham era uno de los pocos trompetistas que Miles Davis, persona avara en halagos, reconocía como influencia.
Falleció en Nueva York, a la edad de 48 años, de una enfermedad del riñón, que padeció durante sus últimos años de vida.
Charlie Haden
Charles Edward Haden (Shenandoah, Iowa, 6 de agosto de 1937), es un contrabajista de jazz, conocido principalmente por su asociación con el saxofonista de jazz Ornette Coleman. Haden también es afamado por su particular forma lírica de interpretar, siendo en la actualidad uno de los más respetados bajistas y compositores de jazz.
Haden nació en Shenandoah, Iowa, y creció en un ambiente musical familiar, en el que frecuentemente se reunían para actuar en la radio interpretando música country y folk americano. Haden hizo su debut profesional como cantante cuando era sólo un niño de corta edad y continuó cantando con su familia hasta la edad de 15 años, cuando contrajo la enfermedad de la polio. Esta enfermedad dañó las cuerdas vocales de su garganta incapacitándole para el canto. Pocos años después de contraer la polio, Haden empezó a interesarse por la música de jazz, comenzando a tocar el contrabajo de su hermano mayor.
Haden se trasladó a Los Ángeles en 1957, y rápidamente empezó a tocar profesionalmente, incluyendo colaboraciones con el pianista Hampton Hawes y el saxofonista Art Pepper. Pero lo que le hizo definitivamente famoso fue su unión, a finales de la década de 1950, con el saxofonista Ornette Coleman, referencia obligada del movimiento musical conocido como Free Jazz. De esta unión surgiría la interesante y mítica producción The Shape of Jazz to Come. Además de su asociación con Coleman, ha sido miembro del Trío de Keith Jarrett y del "American quartet", desde 1967 hasta 1976 con Paul Motian y Dewey Redman. También interpretó en el colectivo Old and New Dreamsy ha colaborado en varias ocasiones con la compositora Carla Bley .
Haden ha sido muy activo durante años formando dúos con pianistas como Hank Jones, Kenny Barron y Denny Zeitlin. A finales de 1997 colaboró en un dúo con el guitarrista Pat Metheny, explorando la música que les influyó en sus experiencias juveniles, donde se puede apreciar fuertes influencias de himnos gospel y música country. Este trabajo culminaría con la publicación del álbum Beyond the Missouri Sky (Short Stories) y en una gira juntos alrededor del mundo.
Haden se trasladó a Los Ángeles en 1957, y rápidamente empezó a tocar profesionalmente, incluyendo colaboraciones con el pianista Hampton Hawes y el saxofonista Art Pepper. Pero lo que le hizo definitivamente famoso fue su unión, a finales de la década de 1950, con el saxofonista Ornette Coleman, referencia obligada del movimiento musical conocido como Free Jazz. De esta unión surgiría la interesante y mítica producción The Shape of Jazz to Come. Además de su asociación con Coleman, ha sido miembro del Trío de Keith Jarrett y del "American quartet", desde 1967 hasta 1976 con Paul Motian y Dewey Redman. También interpretó en el colectivo Old and New Dreamsy ha colaborado en varias ocasiones con la compositora Carla Bley .
Haden ha sido muy activo durante años formando dúos con pianistas como Hank Jones, Kenny Barron y Denny Zeitlin. A finales de 1997 colaboró en un dúo con el guitarrista Pat Metheny, explorando la música que les influyó en sus experiencias juveniles, donde se puede apreciar fuertes influencias de himnos gospel y música country. Este trabajo culminaría con la publicación del álbum Beyond the Missouri Sky (Short Stories) y en una gira juntos alrededor del mundo.
Howlin' Wolf
Chester Arthur Burnett (White Station,10 de junio de 1910 - Hines, 10 de enero de 1976), conocido como Howlin' Wolf (Lobo Aullador) fue un músico afroamericano, cantante de blues, guitarrista y armonicista.
Con una voz y una presencia física características, Burnett se colocó entre los principales artistas del blues eléctrico; el músico y crítico musical Cub Koda declaró, "nadie puede igualar a Howlin 'Wolf en su singular capacidad para el rock.
Con sus 1,98 m de estatura y cerca de 136 kg de peso, fue una figura imponente con una de las voces más memorables entre todos los cantantes de blues "clásicos" en el Chicago de los años 50. Su voz ha sido comparada con "el sonido de las máquinas pesadas que operan en un camino de grava". Junto con su contemporáneo y rival profesional Muddy Waters, formaron los dos pilares del Chicago blues.
Hijo de plantadores de algodón, Howlin' Wolf trabajó de granjero en la década de los 30, siendo uno de los pioneros entre los negros que emigraron en los años 40 a Chicago, aunque siempre mantuvo sus raíces. Sirvió durante la Segunda Guerra Mundial en el ejército norteamericano.
En 1948 formó una banda que incluía guitarristas como Willie Johnson y M. T. Murphy, el armonicista Junior Parker, un pianista llamado Destruction y el batería Willie Steele, y en 1951 comenzó a actuar en radio en West Memphis, Arkansas.
Su álbum de 1962 Rockin' Chair Album es uno de los más famosos discos de blues, conocido por la ilustración de su cubierta con una mecedora. Este álbum contenía "Wang Dang Doodle," "Goin' Down Slow," "Spoonful" y "The Red Rooster", canciones que sirvieron de base a los repertorios de las bandas inglesas y americanas enamoradas de los blues de Chicago. En 1965 apareció en el show televisivo Shindig junto con los Rolling Stones.
Wolf dio varios conciertos en Chicago en 1972, grabados por la discográfica Chess en su álbum Live and Cookin' y en 1973 produjo su último álbum The Back Door Wolf. Tuvo especial resonancia su álbum London Sessions, grabado en Londres junto a una super-banda de estrellas británicas (Eric Clapton, Stevie Winwood, Charlie Watts, Bill Wyman) y su inseparable Hubert Sumlin.
El inimitable estilo abrasivo de Howlin' Wolf ha imposibilitado cualquier imitación. Dotado de una técnica musical rudimentaria (tanto en la armónica como en la guitarra slide), su peculiar sentido del tempo y sus aullidos (como en la célebre "Smokestack Lightning") confirieron siempre a sus interpretaciones un vigor inigualable.
El rock psicodélico de los sesenta tuvo en Howlin' Wolf a uno de sus máximos inspiradores. Jimi Hendrix comenzó su actuación en el festival de Monterrey, en 1967, (su primera aparición al nivel de las grandes estrellas) con una frenética versión de un clásico de Howlin' Wolf, "Killing floor". Los Cream convirtieron en éxito otra de las grandes piezas de Howlin' Wolf (aunque compuesta por Willie Dixon), la febril "Spoonful", y también los californianos Grateful Dead legaron una recordada recreación de "Sittin' on the top of the world". Los Doors versionaron "Back door Man" y los Rolling Stones tuvieron unos de sus hits más tempranos con la inefable "Little red rooster". El estilo vocal de John Fogerty, cantante de Creedence Clearwater Revival, debe también mucho a Howlin' Wolf, lo que se hace patente en canciones del grupo como "The Graveyard Train" entre otras.
Howlin' Wolf murió de cáncer en el Hospital de Veteranos de Hines, Illinois, el 10 de enero de 1976.
Con una voz y una presencia física características, Burnett se colocó entre los principales artistas del blues eléctrico; el músico y crítico musical Cub Koda declaró, "nadie puede igualar a Howlin 'Wolf en su singular capacidad para el rock.
Hijo de plantadores de algodón, Howlin' Wolf trabajó de granjero en la década de los 30, siendo uno de los pioneros entre los negros que emigraron en los años 40 a Chicago, aunque siempre mantuvo sus raíces. Sirvió durante la Segunda Guerra Mundial en el ejército norteamericano.
En 1948 formó una banda que incluía guitarristas como Willie Johnson y M. T. Murphy, el armonicista Junior Parker, un pianista llamado Destruction y el batería Willie Steele, y en 1951 comenzó a actuar en radio en West Memphis, Arkansas.
Su álbum de 1962 Rockin' Chair Album es uno de los más famosos discos de blues, conocido por la ilustración de su cubierta con una mecedora. Este álbum contenía "Wang Dang Doodle," "Goin' Down Slow," "Spoonful" y "The Red Rooster", canciones que sirvieron de base a los repertorios de las bandas inglesas y americanas enamoradas de los blues de Chicago. En 1965 apareció en el show televisivo Shindig junto con los Rolling Stones.
Wolf dio varios conciertos en Chicago en 1972, grabados por la discográfica Chess en su álbum Live and Cookin' y en 1973 produjo su último álbum The Back Door Wolf. Tuvo especial resonancia su álbum London Sessions, grabado en Londres junto a una super-banda de estrellas británicas (Eric Clapton, Stevie Winwood, Charlie Watts, Bill Wyman) y su inseparable Hubert Sumlin.
El inimitable estilo abrasivo de Howlin' Wolf ha imposibilitado cualquier imitación. Dotado de una técnica musical rudimentaria (tanto en la armónica como en la guitarra slide), su peculiar sentido del tempo y sus aullidos (como en la célebre "Smokestack Lightning") confirieron siempre a sus interpretaciones un vigor inigualable.
El rock psicodélico de los sesenta tuvo en Howlin' Wolf a uno de sus máximos inspiradores. Jimi Hendrix comenzó su actuación en el festival de Monterrey, en 1967, (su primera aparición al nivel de las grandes estrellas) con una frenética versión de un clásico de Howlin' Wolf, "Killing floor". Los Cream convirtieron en éxito otra de las grandes piezas de Howlin' Wolf (aunque compuesta por Willie Dixon), la febril "Spoonful", y también los californianos Grateful Dead legaron una recordada recreación de "Sittin' on the top of the world". Los Doors versionaron "Back door Man" y los Rolling Stones tuvieron unos de sus hits más tempranos con la inefable "Little red rooster". El estilo vocal de John Fogerty, cantante de Creedence Clearwater Revival, debe también mucho a Howlin' Wolf, lo que se hace patente en canciones del grupo como "The Graveyard Train" entre otras.
Howlin' Wolf murió de cáncer en el Hospital de Veteranos de Hines, Illinois, el 10 de enero de 1976.
Jimmy Reed
Mathis James “Jimmy” Reed nació en Dunleith, Misisipi el 6 de septiembre de 1925 y falleció el 29 de agosto de 1976.
Fue uno de los más grandes bluesman de la posguerra y con una ascendencia decisiva en la generación que en los sesenta constituiría al emergente rock´n´roll.
Fue así que los Rolling Stones lo consideraron su mayor influencia, habiendo grabado en sus inicios el tema “Honest i do” de Reed. También su música tuvo gran contribución en la producción de Bob Dylan.
Fue así que los Rolling Stones lo consideraron su mayor influencia, habiendo grabado en sus inicios el tema “Honest i do” de Reed. También su música tuvo gran contribución en la producción de Bob Dylan.
Sonny Boy Williamson II
Aleck Ford (más tarde, Rice Miller), conocido como Sonny Boy Williamson II (Glendora, Misisipi, 5 de diciembre de 1897 (?) - Helena, Arkansas, 25 de mayo de 1965) fue un poeta, músico, cantante y cantautor estadounidense, que ha sido considerado como la última leyenda del blues.
No debe ser confundido con John Lee Williamson, conocido como Sonny Boy Williamson I.
Aleck Ford nació en la plantación de Sara Jones cerca de Glendora en Tallahatchie County, Misisipi. Parece ser que su fecha de nacimiento es dudosa, pues aunque él afirmó haber nacido el 5 de diciembre de 1899, un investigador, David Evans, afirma haber encontrado pruebas en el censo de registro de que nació alrededor de 1912. Sin embargo, en la lápida de Miller aparece como fecha de su nacimiento el 11 de marzo de 1908.
Vivió y trabajó con el aparcero Jim Miller, su padrastro, de quien adoptó su apellido, y con su madre, Millie Ford, hasta principios del decenio de 1930. A partir de la década de 1930, viajó alrededor de Misisipi y Arkansas, trabajando con grandes artistas como Big Joe Williams, Elmore James y Robert Lockwood, Jr.. Durante este período también se asoció con Robert Johnson. Miller desarrollaría su estilo y personalidad durante estos años.
En 1941 Miller fue contratado para actuar en el espectáculo King Biscuit Time , la publicidad de una marca de galletas en la estación de radio en KFFA en Helena con Lockwood. Fue en este momento que el productor del programa de radio , Max Moore, comenzó a denominar a Miller como Sonny Boy Williamson, al parecer en un intento de capitalizar la fama del conocido cantante e intérprete de armónica en Chicago, John Lee Williamson, con el mismo nombre artístico.
Trabajó al lado de artistas de la categoría de Muddy Waters, Willie Dixon, Jimmy Rogers y Otis Spann.
A comienzo de los años 1960 permaneció algún tiempo en Inglaterra, donde grabó con numerosos grupos y artistas, como The Animals y Jimmy Page.
No debe ser confundido con John Lee Williamson, conocido como Sonny Boy Williamson I.
Aleck Ford nació en la plantación de Sara Jones cerca de Glendora en Tallahatchie County, Misisipi. Parece ser que su fecha de nacimiento es dudosa, pues aunque él afirmó haber nacido el 5 de diciembre de 1899, un investigador, David Evans, afirma haber encontrado pruebas en el censo de registro de que nació alrededor de 1912. Sin embargo, en la lápida de Miller aparece como fecha de su nacimiento el 11 de marzo de 1908.
En 1941 Miller fue contratado para actuar en el espectáculo King Biscuit Time , la publicidad de una marca de galletas en la estación de radio en KFFA en Helena con Lockwood. Fue en este momento que el productor del programa de radio , Max Moore, comenzó a denominar a Miller como Sonny Boy Williamson, al parecer en un intento de capitalizar la fama del conocido cantante e intérprete de armónica en Chicago, John Lee Williamson, con el mismo nombre artístico.
Trabajó al lado de artistas de la categoría de Muddy Waters, Willie Dixon, Jimmy Rogers y Otis Spann.
A comienzo de los años 1960 permaneció algún tiempo en Inglaterra, donde grabó con numerosos grupos y artistas, como The Animals y Jimmy Page.
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